El colectivo Art & Language ha sido uno de los definidores del arte conceptual desde la década de 1960. Mediante una aproximación multidisciplinar (entre su obra se cuentan pinturas, dibujos, esculturas, instalaciones, documentos escritos, mecanoscritos, microfilms, maquetas y publicaciones) y un concepto de colectivo en el que las individualidades de sus integrantes se fusionan, el grupo confía en la capacidad discursiva de las obras de arte para plantear antagonismos y análisis sobre su papel en el contexto presente. Tal naturaleza desafía todo intento de clasificación de un trabajo que, en lugar de ofrecer respuestas, cuestiona constantemente el arte como institución. La serie de los Hostages, iniciada a finales de la década de 1980, representa una interesante excepción, dado que la pintura ha sido un medio ocasional para Art & Language dentro de una carrera eminentemente discursiva apoyada en otras formas de lenguaje. Presenta una reflexión acerca de la naturaleza de la pintura a partir de una aparente cita de ciertos estilemas del expresionismo abstracto. Y se trata más de un cuestionamiento de aquel movimiento que de un homenaje: una visión crítica de las pretensiones de la originalidad creativa y del supuesto gesto automático, inconsciente y arrebatado que, según la crítica tradicional, inspiraba a los pintores abstractos de la segunda posguerra. En palabras recientes de Mel Ramsden, integrante del colectivo: «Ocasionalmente jugueteamos con la pintura. Recuerdo la serie de cuadros, los primeros Hostages, que tienen el aspecto de obras de un pseudoexpresionismo abstracto. Hay una serie de cosas que tienes que hacer para ejecutar ese tipo de pintura. ¡Una de ellas es que tienes que tener la intención de hacerla así!».

Hostage LXVI (1990) pertenece al subgrupo The Dark Series, presentado en la Lisson Gallery de Londres en 1991, un conjunto de obras nacidas de un primer planteamiento textual: la misión autoimpuesta por el escritor de plasmar un paisaje cercano al estudio del colectivo, un elemento banal, anecdótico, que sirva como excusa para exponer imágenes que tienden a confundir al espectador. Ese efecto de mistificación se apoya en la doble superficie que configura la obra: la del tradicional óleo sobre lienzo, que se apoya sobre madera y se cubre con un cristal remachado sobre el conjunto y pintado en su cara interior. Este juego de estratos, aunque deja elementos figurativos a la vista, produce una extrañeza que frustra las expectativas del espectador habituado a contemplar la pintura como una superficie única, lo obliga a tomar consciencia del carácter construido de la escena y dificulta su veredicto en la querella entre abstracción y figuración, que acaso resulte estéril dentro del panorama del arte conceptual. Con estos elementos, Art & Language saca a debate algunos de los aspectos más problemáticos de la pintura del siglo XX, como la relación entre figura y fondo, lo icónico frente a lo no representativo, lo literal frente a lo metafórico. La incertidumbre que genera la obra se alimenta también de su condición objetual, ya que por la citada combinación de soportes, esta cobra el aspecto de una gran estela vítrea. Asimismo, el inquietante título genérico, «Rehenes», palabra muy connotada desde el punto de vista político, contribuye a esa relación de difícil negociación, desorientación e incertidumbre que la pieza establece con el espectador.

Carlos Martín